Статья представляет собой размышления по поводу учебного пособия по тоновой композиции пейзажа, автором которого является выдающийся английский художник-педагог XIX столетия Н. Э. Грин. Анализ его предписаний по компоновке пейзажа и графических схем построения пейзажных мотивов, а также текстов других художников-педагогов XIX в. позволяет утверждать, что свет является «главным героем» живописных композиций в классической европейской художественной школе. Традиция отношения к живописи как «светописи» имеет глубокие корни, характерна для античной и христианской культур. В мировой культуре (в том числе в изобразительном искусстве, литературе и музыке) свет - одно из важнейших религиозных и философских понятий, один из ключевых архетипов, поэтому изображение света вызывает множество осознанных и неосознанных ассоциаций у каждого, кто создает и воспринимает произведения изобразительного искусства. Автор статьи обсуждает разъясненное и проиллюстрированное Н. Э. Грином правило распределения света и тени в живописной композиции на основе совершенной формы овоида («яйца»). Анализируются материалы опубликованного в XIX в. руководства для художников, посвященного принципам сочинения произведений декоративно-прикладного искусства, автор которого Ч. Мартел утверждает, что данная форма антропоморфна. В статье сделан вывод о том, что при сочинении живописных композиций художники использовали ряд шаблонных приемов, но эти «шаблоны» удачно соответствовали психологии и физиологии восприятия, прежде всего зрительного, что позволяло создавать произведения, которые воздействовали на зрителя именно так, как задумал художник.
The article is a reflection on the text and visual guide dedicated to landscape tone composition, which were written by N. E. Green, an outstanding english artist and educator of the 19th century. The analysis of his prescriptions on the landscape layout and graphic schemes for constructing landscape motifs, as well as the examination of texts of other 19th century painters and art theorists allow one to assert that light is the “main character” of artworks belonging to the classical European school of painting. The tradition of construing painting as “light-modelling”, or rather “shadow-painting” (chiaroscuro) goes far back in history and is particularly characteristic of the Antique and Christian cultural frameworks. Likewise, in world culture (including art, literature and music), light is usually regarded as one of the most significant religious and philosophical concepts, in other words, one of the key archetypes. Therefore, it comes as no surprise that the depiction of light tends to evoke numerous conscious and unconscious associations for everyone creating and engaging with works of art. The author of the article discusses the rule of light and shadow distribution, elucidated and illustrated by N. E. Green, invoking the example of a picturesque composition based on a perfectly shaped ovoid (“egg”). To that end, he resorts to a 19th century manual for artists devoted to the principles of producing decorative and applied art pieces that are usually marked by their anthropomorphic nature; remarkably, this feature was explicitly emphasized by Ch. Martel, the creator of the aforementioned guide. Lastly, the article brings to the fore the fact that artists would often employ a number of template techniques when composing their paintings, yet these “templates” successfully corresponded to the psychology and physiology of perception, primarily visual, which would then pave the way for the creation of works that affected the viewer the way the artist had purposed.
The authors declare that there are no conflicts of interest present.